孤寂是人生來就難以逃避的問題，也一直不斷有作家、哲人及編導去為此千古疑問作詮釋。今年已有兩套上映的電影繼續探討這個命題，一套是以冷冽的切割鏡頭來解構城市孤寂面貌的《孤寂碎片》(在早前的歐洲電影節上映過)，另一套是以喜劇包裝但骨子裡仍然沉重的《寡佬飛行日記》。

電影改編自Walter Krin的小說，由《Juno少女孕記》的導演Jason Reitman執導，主演的則是奧斯卡金像男星佐治古尼。這是一套很切合時勢的作品，影片的背景正是金融海嘯下經濟遭逢重創的美國，而男主角Ryan的職業正是替財團作「丑人」，為他們「通知」員工要「離開」的消息，因職業關係，Ryan經常「飛來飛去」，影片亦是名符其實的飛行日記。

電影跟《Juno少女孕記》一樣以喜劇包裝沉重的命題，Ryan也跟導演前作中的人物一樣尖酸刻薄，但箇中卻隱含了些悲涼的調子。Ryan早就明白孤寂的必然性，因此他本著的是「當你唔想俾人拒絕，你可以做o既就係先拒絕其他人」的心態，信奉自己所「創造」的背包理論，認為人應該將放在背包裡的一切人事棄掉，好讓自己瀟灑地孤身上路，不要再讓自己的人生受到不必要的制紂。

影片前半，男主角看似瀟灑，看似風光，看似參透一切。然而，生活中的疏離感令他的心靈更為空虛，惟有不斷依靠「為儲而儲」的巨額飛行里數及不斷入一些「尊貴會籍」來證明自身的存在。

孤獨是宿命，到頭來生命的盡頭你還是要獨自面對，但人總是害怕去面對它。因此，被孤獨包圍著的人便追求更虛浮、奢靡的物質生活來逃避這避無可避的可怕的洗禮。但是，上天很公平，雖然衪讓孤獨成為每個人的宿命，但衪卻同時安排每個人的生命中都有形形色色的人物，有刁難你的人，有厭惡你的人，但更有支持你的人，以及關心你的人。

如果，人是害怕孤獨，為甚麼要隱藏心中呢？這不是罪惡，只是並非每個人都承受得了內心過度的荒涼。但是，很多人正如Ryan一樣，不敢面對心底的真正一面，在一連串的巧妙遭遇之後，他才認識到自己並非真的想孤身上路。

在茫茫人生路上，能夠真正踽踽於途的也許並不多。人與人之間的聯繫自是雙向的，有時往往不是世界離棄了我們，而是我們離棄了這個世界，離開了熱鬧的人群，去將自己流放至杳無人煙的孤島。

名作家卜洛克寫過「也許沒有人是座孤島，而也許每個人都是」。忍受不了孤獨的，就走向人群，面向世界吧。回頭路，也許不是那麼難走吧。

看完這套《寡佬飛行日記》，或許你能重新思索自己是否真的想孤身上路。

1941年版本的《狼人》，是環球三四十年代一系列的怪物電影的其中之一，然而，影片雖然並非十分出色的恐怖片，但箇中的悲劇色彩卻具感染力，從男主角重踏故地的那一刻，由他愛上女主角的那一刻，已注定他走上不歸路。

月圓之夜，狼人便會「現身」，埋沒了原先的人格，接著便會不受控地大開殺戒，可恨是這是不治之症，只有憑銀彈帶來的死亡才是對狼人最徹底的解脫。69年前的作品，雖然今天看來簡樸，但黑白菲林將一切都呈現得那麼優雅，是一闕為狼人奏起的宿命的輓歌。無可否認，這是一套經典之作。

古老的恐怖片、經典的悲劇，有續作不足為奇，多年後被翻拍更是理所當然。

2010年的新版《狼人》，由《逃出魔幻紀》、《侏羅紀公園3》導演祖莊士頓執導，由《毒網》金像男星班尼史奧迪多路及《沉默的羔羊》金像影帝安東尼鶴健士主演，製作費達八千五百萬美元。就如重拍1932年《The Mummy》的《盜墓迷城》一樣，電影的製作認真多了，十九世紀末的英國被打造得十分奇詭，主角所住的大宅亦比舊作的更顯荒涼鬼魅。

兩位金像男星的演技毋庸置疑，「食人博士」又見陰沉，而他們二人的交鋒總算有火花；導演將電影拍得工整，而新的劇本亦嘗試補綴舊作的不足，也加入更大的戲劇衝突；影片也有更多伏筆，主角入住過精神病院在片初沒有甚麼作用，但其實卻是關鍵情節，而看似無關痛癢的「童年陰影」之後亦是顯得極其重要的；而且，電影比舊作血腥得多，幾次襲擊都是血花四濺。

但是，總覺得電影有點不妥當，亦沒有甚麼感染力。

安排兩個狼人是一個「驚喜」，但是電影卻沒有舊作般的力量，是因為它將狼人跟女主角的感情線沖淡了。舊版《狼人》，最深刻不是那隻狼有多兇狠，而是他跟女主角的忠貞愛情始終躲不過宿命的制裁。《狼人》本來就不是一套出色的恐怖片，但卻是一套經典的悲劇，至於之後有更多的狼人電影，那些才是真正的恐怖片。

本片的狼人對女主角的感情似有還無，或者安排她只是一個陌生人會更好。另外，對父親角色的改動看似為影片帶來更大的發揮空間，但同時也令影片的悲劇色彩減卻，少了原作的無奈感，本片的結尾跟原作比較，除了父親的改變外，其實出入不大，但就少了餘韻。

本片再次印證重拍經典是一條歧路，但及後還有更多，接下來的就是《猛鬼街》。

家庭對很多人來說是生活的支柱，生活上所作一切的努力為的是讓家人得到更好的生活，而圓滿的家庭生活在人們眼中都是幸福的象徵。

《Stepfather》(1987年版及去年的重拍版《繼父疼死你》)卻為了觀眾呈現了一個可怕的噩夢—當人對家庭的完美程度有種強烈的渴求，而當這種渴求漸漸變成一種偏執狂，繼而對一切的生活細節都諸多不滿，到了某個臨界點被觸踫，最後可能是以殺戮來發洩內心的不滿。

電影中的繼父，都已不止一次去代入家庭生活。他會觀察及感受這些「家庭」成員是否合乎心中的理想，大概過了若干時間，他總是不滿意，也覺得忍無可忍，每次都以殺光其他「家庭」成員告終。

或者，電影有點極端，現實中也沒有那麼多變態的長輩。但是，電影卻給了觀眾一個反思的空間：當家庭成員間的衝突純粹是因為一時的偏執，繼而有人動武因而發生無可挽回的家庭悲劇，其實在作出衝動之舉的那一刻，只要冷靜下來，就不會有遺憾發生。

現實中未聽過有人因追求完美的家庭生活而殘殺一個又一個的家庭，但因一時偏執而導致的家庭悲劇卻時有發生：最近因女兒的學途問題而幾乎錯手殺掉女兒而自己卻自殺身亡的母親、不時出現的父子「械鬥」，再隔遠些日子的天水圍倫常慘案、人辦陳健康的家庭悲劇……施以暴力的一方，只要在「行動」前冷靜下來，及後就不會「登報」了吧。

家庭有問題，人們可以怨社會、怨政府，但千萬不要拿家人來發洩，這無助於對問題的解決。

說回電影本身，去年的重拍版導演是之前拍過《Prom Night》新版《燈紅酒綠殺人夜》的Nelson McCormick，比原作更著重細節，但整體還是比後者遜色。原作的家庭只有「父親」、母親及女兒，主要出場人物雖少但劇力方面卻做得更理想，新作有許多新添的情節，但有許多都是多餘的。兩者優劣的比較，最主要還是在於「繼父」跟孩子相處的處理。原作中繼父跟女兒間的猜忌是最有劇力的戲碼，新作卻因人物太多而沖淡了這亮點。

電影舊作有三集，但重拍版在美的票房一般，應該不會續拍吧。不過，其實本片比導演的《燈》片為好，至少在恐怖片場面上處理得比前作出色，結尾的混戰亦有一定程度的爆發力。

跟家人溝通是最重要的。如果看完覺得本片的「繼父」變態，那麼也請你想想平日怎樣對待家人，因為人總會不自覺地傷害了他人，尤其是最親。

新年到，就有「賀歲片」。

第一套說《72家租客》。

自上次《Laughing Gor之變節》後，大家已意識到所謂的「邵氏回歸」只是一個泡沫般的假象。跟本片「致敬」的經典《72家房客》一樣，本片是大堆頭，是群星拱照，甚至連導演也有三位，亦有諷刺時弊的元素。

當年，邵氏促使香港影壇蓬勃發展，到了今天，主理電視多年「回歸影壇」的「邵氏」已是變質了。是的，業主無理加租、大商家大舉收購土地、淋鏹水事件都是一些能引起共嗚的時事元素，可是，CCTVB根本旨不在諷刺時弊，看到尾這其實這不過是一套向商家獻媚的作品。露骨地為客戶賣廣告幾乎可以以「禮義廉」來形容，為商家(尤其是中國的暴發戶)粉飾形象就更倒人胃口，至於對鏹水事件的「借題發揮」，更是白白浪費了這個素材，不過細想下這樣的安排也是「合理」的，因為拍本片的正是CCTVB。

看完本片，覺得就算有笑點也是笑不出來，因為這根本不算一套電影，只是一個90分鐘的以喜劇形式拍攝的「長篇廣告雜誌」。CCTVB還是不要搗亂影壇吧，你既然那麼喜歡收廣告客戶的錢，就繼續拍那些「高收視」的膠劇好了。今次還使UFO「復活」，可是合作的成品竟是如此一套劣作，真是傷害影迷的感情。一眾藝員笑著「賣廣告」的時候，會不會感到難為情呢？相信那些笑容都是苦笑。

要看諷刺時弊的影視作品，大家還是看《頭條新聞》好了。僅僅除夕那一集已比本片強一萬倍。

《家有囍事2009》去年劣評如潮，卻成了去年香港華語片票房冠軍，黃百嗚是一位精打細算的「生意人」，賺到錢贏了對手當然不會怎理會他人所持的相反意見，最多只當「發嗡風」。

今年他又拍了套「再續經典」的《花田囍事2010》，上次任編劇，今次乾脆當導演，一同「執導」的還有邱禮濤。本片是一般，而且對港片來說也是一個倒退，因為經常要「翻炒」舊作，看來真的是創意乾塘。但看本片不會如看《72家租客》般反感，至少這是一套電影，一套「賀歲喜劇」，即使片中的笑位有點爛，但至少本片沒有濃濃的廣告味，而於大時大節有一兩套這些「爆笑喜劇」，觀眾還是樂於入場的，始終現實中有太多不如意不公義的事，確實需要一些發洩的渠道。

如果有這些電影的同時也能容納其他文藝、獨立的作品，如此百花齊放也是健康的；但如果是此等電影壟斷市場，而容不下其他作品，那麼香港電影只會死得更快。

《72家租客》及《花田囍事2010》都是「得啖笑」的作品，但前者是更差，稱「電影」是「禮義廉」也不為過。

首先，向希夫列格致敬。

大師的夢魘，源於跟魔鬼的「賭局」。

人間所有的賭博，就算賠率有多冷門，風險有多巨大，已輸掉的再多，玩家都會有一舖翻身的機會，因為當中有規則讓雙方都遵守。可是，跟魔鬼打賭，人有可能贏嗎？是丁點兒機會也沒有。「賭局」中所謂的「贏」，不僅是陷阱，更是一條令人得不償失的不歸路的起點。

帕納大師是「修士」，早於千年前在「修道院」跟眾弟子一直在說故事，因為他們都相信想像力是維繫天地萬物運行的黃金規律，可是一天魔鬼想要挑戰大師，認為世界不需要想像力來維繫，便使大師及其弟子住口，說「世界不用你們說故事也能運行下去」，可是大師笑說是有其他人一直說下去。就是從這一刻，雙方長達千年的打賭就此展開。

每一次賭局，大師都好像「贏」了，但其實不是。大師的「獎品」是甚麼？有永生、青春的活力、妻子、女兒及那個從天而降的奇才助手(就是希夫列格主演的角色)。可是，這一切的「獎品」，不過是魔鬼為了玩弄人心而刻意所作的安排。

「賜」給大師長生，是為了確保他可以跟自己玩下去，原來是魔鬼也怕寂寞；魔鬼給了大師永生，卻沒有給他不老的「能力」；魔鬼「借」了一次青春給大師，其實是為了延續日後的「賭局」；魔鬼給了大師一個妻子，是為了那個更大的籌碼，即二人所生的女兒，妻子便「順利成章」地難產而死；女兒是這個賭局中最大的籌碼，大師要取得五個靈魂才能留她在身邊；還有助手，這個看似「幫得手」的，其實是為了讓大師失去得更多，輸得更多。

每一次，大師都以為自己贏了，但其實從他得到第一份「獎品」就輸了，「永生」的能力是讓魔鬼可以一直玩下去，賭下去；是的，魔鬼知道想像力、創造力建構出更美好的世界，但是他卻偏偏要大師去感受它們在歲月的洗刷下從人世間流逝；還有那個助手，根本是魔鬼借他之手玩厭人間之後便借大師之手除掉他，這個所謂的「慈善家」得到如此下場是值得的。

人受到魔鬼引誘許多是因為對利益及物慾的追求，但首要條件是你的注意力被他分散，被他吸引過來。若果一開始人沒有被他分散注意力，從沒有接觸過他，自然不會被魔鬼有機可乘。

不想給魔鬼迷惑，除了如本片那位小矮人「點醒」大師要「專心工作」外，更有效的方法是甚麼？

信耶穌。

乘車到港島某戲院買《孔子》的戲票，買的是12時30分那場次。

「淺藍色揀位，銀幕呢面。」售票職員指著屏幕說。看著屏幕，有點吃了一驚，深藍的格子佔了大半，剩下的都是一些較偏的位置。那時心想：這不是《阿凡達》嘛，萬世師表哪會吸引那麼多的觀眾？就算是發哥演又如何？平日這個時段，影院大慨只有十來名觀眾，每每入場其實可以隨意選擇想坐的位置，這又不是早場，而且印象中《孔子》首日票房好像只有三十六萬，為何看的這一場會有那種狂收大片的氣勢？

步至前往影院的扶手電梯，見到一群學生嘻嘻哈哈地蹦蹦跳跳，許多人的手中都拿著薯片、奶昔等零食，戲院職員面露尷尬及不悅著他們不要帶這些食物進場，但學生們似乎沒有甚麼理會。職員撕了手中的票，我便別個頭乘扶手電梯步入影院。

影院沒有多少觀眾，只是零零落落十來個，跟平時相若。

然而，當銀幕播放著《緣滿情人節》的預告片時，學生們終於進場，影院頓時又人聲鼎沸起來。學生們到處找最理想的位置，到播完《緣滿情人節》的預告片接著播《寡佬飛行日記》的預告片時，學生們仍未安坐下來。

直至播《七十二家租客》的預告片時，學生們總算安定下來，但隨即又爆發一陣哄笑聲，那時是銀幕上的Stephy說自己名叫吉澤明步時。學生們看此預告片很開懷，短短兩分鐘爆笑了好幾次，「我之後一定睇呢套」，「呢套實好睇」之類的話語不絕於耳。

影院變得更為暗黑。電影開場了。

兩小時其實過得很快，畢竟這套《孔子》已是挑出最能吸引觀眾眼球的部份去拍，萬世師表所堅守的儒家思想觀眾看完不會有更深的認識，著墨最深的反而是「墮三都」、「夾谷會盟」、「齊魯大戰」以及「武子台平叛」的戰爭段落，後者甚至不比《赤壁》中的戰爭場面遜色。在片中孔子具軍事家的風采比學者為甚。

孔子周遊列國的段落只是輕輕帶過，跟衛國南子相會一段被放得太大，有點突兀。

看完，就是覺得去年在電影節看的70年前的《孔夫子》更具蒼茫的歷史感，更有天地悠悠的氣度，方才看完的只是一套「氣勢磅礡」的古裝大片。

其實，這套《孔子》算很親民了，沒有大拋書包嚇窒觀眾，甚至有不俗的娛樂性，技術層面上亦做到很認真。

不過，學生們似乎不太領情，影片播放期間談話聲浪此起彼落，也不時出現一些嘻笑聲，他們的不耐煩其實彌漫了影院，其他觀眾是感受到的。

完場時，學生們都舒了一口氣，就如剛剛出牢一樣。「嘩﹗真係好悶。」「好彩唔駛錢姐。」「俾錢睇果o的真係好慘﹗」「套o野同我睇果套《神探福爾摩斯》差太遠啦﹗」「講堅，我真係寧願睇《青蛙與公主》﹗」……還有很多很多類似的話語。

王菲的歌聲在「憤怒」的怨聲下愈來愈模糊，步出了黑暗的影院，面對著泛藍的天，竟然心頭一沉。

其實，包場「請」學生去接觸傳統，跟中共硬要將《阿凡達》拉下來著民眾去看「宏揚傳統大義」的本片一樣徒勞無功。

被摒棄的，就算你再重新包裝拿到對方跟前去說服他接受，換來的其實可能只是一番辱罵，以及更大的失落感。

孤寂，未必人人接受得了，卻是人生來就揮之不去的宿命。人與人之間的交流，究竟有多少是必需的、真誠的？抑或，其實只是每個人都只是對著自己去說話，用此等行為來證明自身的存在價值？大量的聚會、大量的活動、大量的「朋友」、大量的照片，是映照出更喧鬧的生活面貌，還是只是人逃避不了孤獨而刻意堆砌出來的一幅虛幻的拼圖？

2007年的西班牙電影《孤寂碎片》所揭示的，是人們都不願意面對的生活面貌，也是城市人心底處一個夢魘的呈現。

兩個家庭，兩組人物，兩段不堪回首的心塵往事，在分割的畫面、長鏡頭、空鏡頭下，透出的是猶如深淵的孤獨與荒涼。電影的畫面是冷靜的，底下所潛藏的卻猶如洶湧的吞噬人心的黑浪。一開首，影片所映的是其中一位女主角Adela所逃避的—那她再忍受不了的鄉村生活。兩組人物交疊在一起，正因為她的決定。

Adela是單親媽媽，帶著十三個月大的孩子到馬德里尋找理想的新生活，跟她同住一屋的是Ines及Carlos。三人相處看似融洽，卻其實猶如獨立個體般各自生活。Ines的母親Antonia是貫穿影片另一主線的主要人物，她開小店，有情人，有三位女兒，但女兒們各自都面對著難題，亦令這個家庭的關係愈來愈惡劣：大女兒只為買渡假屋而著她賣掉房子，二女兒患上癌症，三女兒討厭自己總是最後一位被告知家庭的重大決定。

影片中的每個角色，都各自有自己的難處，都希望自己被諒解，也不斷地去向別人訴苦，但是或許他/她根本不是想對方聆聽，只是在自言自語。對於角色間對話的處理，導演將畫面分割成兩面，一方是對角色予以側面的特寫鏡頭，另一方則是給角色正面的特寫。當看到一次又一次這樣的對話、交流，不得不感到震撼。原來，人都不想聆聽對方，那些說出口的話，終究只是說給自己的。人們希望別人細心地聆聽自己，卻對別人封閉起心靈。或者，人們對於孤寂的存在是了解的，卻不希望去肯定它的存在，笑臉底下，是木然和漠然，和煦的陽光，照不進冷冰冰的心。

天氣愈來愈和暖，城市的氛圍卻愈來愈冷酷。再嘈雜的聲音，也掩蓋不了這攫住人心的孤寂。

或者，要到悲劇來臨，人才會醒過來，才肯細心聆聽別人，才願意向別人敞開心扉。所謂的忙碌，不過是一個逃避的藉口，而這是沒有出口的。城市，早已被孤寂割裂成一塊塊難以整合的碎片，身在其中的我們看不透，也在不為意之下被割傷了一次又一次。

冷靜卻同時震撼心靈，這就是《孤寂碎片》。

《烈女娜汀》是一套拍給女性觀眾看的電影。導演起用三位女演員演繹女主角於不同人生階段的相異的心境，雖然說的都是一些典型的「事業與家庭」之間的矛盾，但電影帶出來的是很細膩的觀感，即使男性觀眾看完未必會有太大的共鳴，也能有所得著的。

現代女性跟男性一樣有著強烈的事業心，安於只做安守家中的賢妻良母的已經不多了。女性在職場上的成就未必差過男性，甚至會比後者更快踏上更高的位置，香港回歸後都出現了好些女局長、女高層，遠至美國現在也是克林頓站在希拉里這位成功的女人背後做一個「默默支持的男人」吧。

《烈女娜汀》的主角娜汀，正是一個事業有成的女強人。她是設計師，年輕時著重事業，很早便有了自己的設計公司，至於感情生活方面，她是以遊戲人間的態度去面對，曾經跟狂野的搖滾歌手過著風花雪月的荒淫日子，結果是懷孕接著墮胎。

電影開始，娜汀已是四十多歲的女強人，一次跟舊情人會面，見到對方的孩子，心中泛起莫名的衝動，一把奪過孩子踏上「亡命之旅」。這段旅程，其實是主角的自我探索之旅，孩子的出現令她意識到甚麼才是自己真正在乎的，也不願意失去的。而片中的「過去」段落則是主角在旅程中的回憶。

無可否認，這是一套以女性為主的公路電影，但跟《末路狂花》不同的是，她並不暴烈，而是猶如浸一次自我治療的溫泉，以那熱滾滾的水來融化冰冷了的心；也像一首細訴人生起伏的心曲，撫慰著被社會磨蝕了對愛的觸感的心。是的，她像大衛連治那套跟前作風格迥然不同的《路直路彎》。

電影起用三位女演員來帶出娜汀不同的心境令影片更有感染力。演第一階段的Halina Reijn的演出是有點冷若冰霜但同時又熱情如火，很配合角色：以事業為重，對愛情抱的是半冷半熱的態度。第二位演娜汀的Sanneke Bos是金髮女郎(第一及第三位都不是)，但看其演出又沒有突兀之處，沒有第一位的冷冰氣質，卻有點母性泛起，這時期的娜汀面對的是背叛及矛盾，心情複雜。演第三階段的Monic Hendrickx 外型最成熟，言行舉止都有著過盡千帆的意味，中年時對人生路的迷茫，希望被拘束的心得到解放以看清自我，她演得很具說服力，亦是帶起整套戲的重心。

或者，不僅是現代女性，每個人都應該及早踏上這一段自我探索的旅程。畢竟，了解自己，才能了解以後的路如何去走。

《轟天黑幕》跟去年直接在港推出影碟的《頭條殺局》一樣，都是改編自英國BBC的政治題材的短篇電視劇，也是已執導演筒的米路吉遜久違的擔正男主角的電影，導演是拍過兩集007作品的馬田甘寶。導演兩次執導007電影(《新鐵金剛之金眼睛》及《新鐵金剛智破皇家賭場》)都成功令007系列創下新高峰，這次拍攝同樣是源於英國的作品，總算四平八穩，但相對《頭條殺局》是失色的。

《轟》片以主角警探女兒被殺為引子，然後主角逐漸調查起女兒的「神祕工作」，從而挖掘到愈來愈多駭人聽聞的祕密。電影及《頭條殺局》都是以文戲為主的驚慄片，猶如冷硬派偵探小說般透過調查一個又一個角色來舖陳劇情，以對白(對話)來營造壓逼感，偶爾加入一些精準、狠勁的動作場面，影片是否可觀主要還是靠有質素的劇本。《轟》片在這方面的水準是穩定的，或許是原作本身的劇本可取。

其實，本片及《頭條殺局》無論在拍攝及舖陳都相若，但為何後者會成為有神采的作品？主要是因為劇本在驚慄片格局下同時抓緊了可以發揮的地方，令影片生色不少。除了舖陳出政治陰謀外，《頭》片有一條暗線是帶出傳媒新舊交融的生態，說的是傳統記者與從網絡「踩過界」的博客記者間的代溝、衝突及合作，增加了影片的討論性及啟迪性，亦有助劇情的發展，令影片更為豐富多采。

然而，《轟》片卻浪費了可以發揮的地方，男主角是警探這個設定或者太典型，也有太多的框框，但影片中其中一位重要角色「是非製造者」具關鍵性之餘，亦能帶起整套戲，編導卻沒有好好抓緊這個「亮眼」的角色，只側重在主角警探角色的調查過程上。影片中的「是非製造者」用以製造更複雜的輿論來替政客轉移視線，在政壇上足以「左右大局」，若果影片能將此處緊扣片中的「陰謀」，影片會更為可觀，也能為觀眾提供更多的討論及反思空間。可惜，編導對此角色的著墨不深，處理上甚至有點草率，甚至令影片稍有草草收場的觀感。

雖然說影片在某些環節發揮得不盡理想，也稍欠點神采，但整體還是可觀的。另外，久違演出的米路吉遜(對上一次參演的作品是在《獵殺狗仔隊》中客串，擔正的作品則是2002年的《驚兆》)亦能令觀眾有親切感。他的輪廓很深，演起硬漢角色是手到拿來的，無論是《轟天砲》系列、《贖金風暴》、《起尾注》，還是本片的角色都具說服力的，是次演出是更為冷峻及陰沉。

本片是可觀的，導演繼《新鐵金剛智破皇家賭場》後再次保持了水準，米路吉遜的演出亦是焦點，惟在某些角色及細節上可以處理更好。《頭條殺局》及本片都是水準之作，而前者是更好。

2008年，瑞典推出了一套改編自奇幻小說《Let The Right One In》的同名影片，令各地影迷驚艷不已。「純愛+吸血鬼」的《吸血新世紀》橫掃全球票房，也吸納了不少支持者。然而，影片描述忠貞的愛情部份雖然觸動人心，惟影片在劇本上及拍攝上的處理都不理想，亦令影片口碑走向兩個極端，處於尷尬的位置；比《吸》片更早上映、在美只作小規模上映的《血色童話》，其實也是有關「純愛+吸血鬼」，但本片卻比《吸》片出色，它的愛情部份不比《吸》片遜色，而劇本上及拍攝上的處理也是水準之作。

《血色童話》的明線是主角Eli及Oskar的微妙關係，暗線是戲中小鎮連場血腥的放血殺人案。前者拍得清新而討好，後者亦能令恐怖片迷滿意。Oskar是在學校經常被欺凌的小孩，Eli則是「途經」斯德哥爾摩的神祕「女孩」，同行的還有一個年老的「採血者」。跟《吸血新世紀》的設定恰好是相反，吸血鬼是「女主角」，而Oskar則是人類。由於影片的主角都是小孩，加上兩位小演員「入戲」的演出(尤其是演Eli的Lina Leandersson)這其實更為討觀眾歡喜，甚有兩小無猜的況味，營造到窩心的觀感。但是，本片中似乎是Eli處於「強勢」，因為由頭到尾大多是「她」保護、鼓勵Oskar，做了「默默保護」的角色，或會令女士們會心微笑。

影片其實頗多可討論及堪玩味之處，這亦是為何觀眾會對影片留下難忘印象的原因。據說小說將角色背景交代得頗清楚，亦有更多角色。然而，編導的處理卻令影片多了一重可供觀眾想像的留白空間，令電影更有餘韻。究竟跟Eli同行的「採血者」是否老情人還是只是出於純粹的主僕關係？而Eli究竟是否真正的「女孩」？「她」跟Oskar之間的又是否真正的愛情呢？而Eli又究竟經歷詔多少的年歲？主角二人接下來要面對的又是甚麼？這會是難以避免的一廂情願的悲劇宿命嗎？是的，影片的留白空間令觀眾或有疑問，但正因為這份神祕感彌漫全片，令電影懸念迭起，「Let The Right One In」的設定亦是十分亮眼的。

或者，近年的吸血鬼電影如《幽靈刺客》系列、《妖夜尋狼》系列等都被包裝成動作片，《吸血新世紀》亦無意加入恐怖片的元素。本片卻在純愛的主線之中，拍出吸血鬼電影獨有的妖異感、恐怖感，沒有顧此失彼。影片的背景跟《屍城30夜》一樣是冰天雪地的小鎮，在如此冷冽之境舖陳出恐怖的吸血鬼故事是再合適不過，因這能為影片烘托出更好的氣氛。幾場恐怖戲碼不靠聲效嚇觀眾，而是以氣氛取勝，刻意讓觀眾跟恐怖場景「保持距離」亦是巧妙的運鏡，更有陰冷之感。

《血色童話》是很可觀的吸血鬼電影，真的。